Заметил я интересную вешь — на хайпе много статей про графику и программирование. Однако музыку почему-то обходят стороной. Давайте исправим эту ситуацию.

Когда я начинал писать музыку на спектрум, передо мной возникла проблема — а как её писать? Как надо поставить ноты, чтоб они хорошо звучали, как построить мелодию, как сделать чтоб хорошо звучали два голоса, и.т.д. К сожалению, в интернете информации об этом очень мало, а та что есть написана сложным языком, с кучей непонятных слов, расчитана на то что вы как минимум закончили музыкальную школу.
Достаточно долго я изучал различные музыки, читал статьи, смотрел лекции и в итоге более-менее разобрался. Чтобы вы не проходили этот трудный путь, а легко и быстро разобрались, я решил написать пост. Однако, он разростался и было решено сделать его из нескольких частей. Если хотите научиться писать музыку или хотите просто узнать как она устроена — добро пожаловать под кат.


Сразу оговорюсь я не являюсь профессионалом и могу делать ошибки/описки, особенно в плане муз.терминов. Поэтому, не стесняйтесь, поправляйте. За каждую найденную ошибку гарантирован привет в деме. Также, стоит добавить что эта статья не привязана к конкретному редактору, здесь будет описана только теория, а дальше — выбирайте что угодно. Но для примеров мы будем использовать Beepola, поскольку в ней с наименьшими усилиями можно создать простую мелодию, и там пианинка красивая нарисована. Мы тоже будем её использовать.

Итак, начнём. Наш мозг так устроен, что звуки, частота которых отличается в два раза, звучат очень похоже. Они настолько похожи, что даже одинаково называются. Например, звук, частотой 130 гц — это нота до. И звук 260 гц — тоже до. И 520 — тоже. Вот, у нас есть 3 ноты. У них разная частота, но они одинаково зовутся. Как же их отличать? Для этого ввели понятие октава. Вообще, слово октава имеет два значения. Во первых — это порядковый номер, который определяет высоту ноты. Он ставится после её обозначения, например, С-4 — это до четвёртой октавы, и её частота в два раза больше чем частота C-3. (С — это латинское обозначение обозначение ноты до). Также, октава это интервал — то есть расстояние между двумя нотами разной октавы. Например, расстояние между C-4 и C-3 — октава.
Окатва это хорошо, но её недостаточно. Конечно, её помощью можно сыграть музыку племени тумба-юмба, но не более того. Нам нужно больше нот. Для этого было решено разделить октаву на 12 частей. Почему на 12 — спросите Баха, мы не будем вникать в такие тонкости :-)


Таким образом, у нас есть 12 ступенек. эти ступеньки называются полутонами. Итого, весь звуковой ряд поделён на октавы, в каждой из которых по 12 полутонов. Это основной принцип современной музыки.
Давайте теперь посмотрим на пианино и найдем то, о чем мы говорили. Вот пианино из Beepola:

Вот, октавы там даже выделены и пронумерованы, а если присмотреться и посчитать количество клавиш в каждой октаве, то их там окажется 12. Всё справедливо — каждому полутону своя клавиша.

Пойдем дальше, мы разобрались с нотами, давайте начнём изучать структуру мелодии. И первое, что нам необходимо знать, это то, что все 12 полутонов в одной мелодии практически никогда не используются. Даже если музыка длистя пол часа, всё равно не факт что каждый полутон из 12 будет хоть раз проигран. Почему так? Давайте рассмотрим аналогию. Представим, что у нас есть ящик с деталями, там есть колёса, турбина, бензиновый двигатель, ускоритель частиц и тому подобное. И мы решили собрать машину, например ЗАЗ-968М. Мы от туда возьмём двигатель, колёса и другие авто-принадлежности, наобходимые для ЗАЗ-а. Если же мы заходим собрать грузовик ЗИЛ, то выбор будет несколько иной, но похожий. Мы также возьмём колёса, двигатель, добавим кузов, но реактивную турбину бы тоже не возмём. Какой бы автомобиль мы не строили, всё равно некоторые детали останутся неиспользованы. Даже если это будет автопоезд длинной полкилометра, ускоритель частиц туда не поставишь. А теперь давайте построим ракету. Тут у нас уже другой набор деталей — нам не потребуются колёса и бензонасос, однако нам необходим ракетный двигатель. И несмотря на то, куда мы летим: на Луну или Плутон, набор деталей будет похож. Мы возмём сопло, ракетный двигатель, антенну, что-то ещё, а вот повототный фонарь или карданвал нам не понадобится, летим мы хоть на Сириус.

Теперь давайте спустимся с небес и вернёмся к музыке. Набор деталей — это наши 12 полутонов. Как там, можно из них собрать любую технику, так и тут — можно сыграть любую мелодию. Машина — ЗАЗ или КРАЗ — это мелодия. мы создаём её используя определённые ноты, комбинируя их в правильной последовательности. А что такое в музыкальных терминах «тип техники» (автомобиль, ракета)? Как оно называется? Оно называется тональность.

Тональность определяет тип мелодии, её настроение, частично жанр. Будет музыка весёлой или грустной, эпической или меланхоличной, лёгкой или мозговыносящей, всё это определяет тональность. Если быть конкретнее, то тональность — это то, какие ступени из нашего 12-полутонного ряда мы будем использовать. Может ещё пока не понятно, но сейчас разберём на примерах.
Вот на 12-ступенный ряд:

Создадим некую воображаемую тональность — возмём, например 5 случайных нот.

Вот, у нас есть тональность, назовём её Ю-мозор. Мы можем на её основе создавать мелодию, произведение. И оно будет со своим звучанием, характером. Мы можем создать много мелодий на этой тональности, они могут быть совершенно разными, но что-то у них будет одно. Нечто неуловимое, глубокое, некое ядро, сердцевина, тональность.

Правда, это не случайная тональность Ю-мозор, это пентатоника. Самая простая тональность, всего 5 нот. На её основе построены народные музыки Китая и Инков, большинство гитарных соло, а также некоторые хард-рок композиции. Пентатоника широко используется потому, что в ней все ноты хорошо сочетаются друг с другом, куда ни ткни, уже мелодия, нет диссонанса! Это как детский конструктор — любая деталь подходит к любой другой.

Но всё-таки это маловато, на конструкторе далеко не уедешь. Хоть что-то получается, но как-то простовато, слабо, хочется большего. И поэтому, знакомьтесь: Великие Мажор и Минор!
Мажор и минор это две тональности, на которых основано примерно 100% современной музыки. Они были разработаны ещё в древней Греции, но к современному виду пришли лишь в 17-м веке, во времена Баха, когда был разработан 12-ступенчатый звукоряд. Давайте посмотрим, как они устроены:


Мы видим, что и там и там, из 12 ступеней выбрано семь. Они выбраны по разному, и это даёт колоссальные различия. Распространено мнение, что музыка в миноре — грустная, а в мажоре — весёлая, однако, я думаю, можно уточнить. Музыка, написанная в мажоре как-бы раскрывает тебя. Хочется широко открыть глаза, раскинуть руки и идти вперёд к свету, ни о чём не думая. У минора действие наоборот, собирательное, концентрирующее. Он как-бы предлагает сесть на стул, и о чем-то задуматься, уйти в себя, не отвлекаясь на постороннее. Мажор — беззаботный, счастливый, как маленький ребёнок — живёт и радуется жизни. Минор — серьёзный, задумчивый, ответственный, как взрослый человек, понимающий сложность жизни. Это моё субъективное мнение, возможно у вас оно будет другим. Будет интересно поговорить на эту тему.

Вернёмся к теории. Мы поняли, что мажор и минор это две тональности, два набора нот, использующихся в конкретной мелодии. То есть, например, если у нас мелодия в мажоре, то мы будем использовать ноты C, D, E, F и другие, которые есть в наборе. А ноту D# мы использовать не будем, поскольку она будет диссонировать (звучать противно, отталкивающе), куда бы мы ей не поставили. Давайте посмотрим как мажор и минор выглядят на клавиатуре пианино.

Сразу видно интересную вещь — мажор располагается только на белых клавишах. Да, это так. С мажора начинают обучение в музыкальных школах, такие песенки как «в лесу родилась елочка» играются на белых клавишах, это удобно маленьким деткам. Но мы не маленькие и играть не наша цель, наша цель писать, поэтому выбор клавиш, которые будут нажиматься для нас не так важен. Минор же располагается на черных и белых клавишах.
А теперь давайте сделаем такую вещь: Сдвинем выборку тональности (минора), например, на две ступени вправо. Интересно, что изменится. Заодно пронумеруем ступени.


Вот, мы видим что расположение клавиш кардинально поменялось. Теперь всего одна на чёрной, остальные на белых клавишах. А изменилось ли звучание мелодии? Как ни странно — НЕТ. Да, она стала немного выше, немного писклявей, но мелодия сохранилась. Вы даже не заметите ничего странного, если сыграть вами знакомую мелодию немного сдвинутой. Только если поочереди включать ту и ту, то только тогда найдёте отличие.
Такой сдвиг, какой мы сейчас сделали называется транспонирование. Музыканты часто транспонируют мелодии чтоб они звучали лучше — ниже или выше. А тональности, отличающееся только транспонированием называются параллельные тональности. Каждая такая тональность имеет следующее название: сначала идёт название ноты, на которой находится первая ступень, затем тип тональности: мажор или минор. В нашей статье были следующие тональности: До мажор, До минор и Ре минор (которая сдвинутая транспонированная). В классической музыке была традиция — перед названием мелодии ставить тональность, в которой её надо играть. Например токката и фуга ре минор. Как видно из названия, она играется в ре миноре, то есть на тех клавишах, что на картинке выше. Правда, никто вам не мешает сыграть её в до миноре или фа миноре, она будет отличаться не сильно, но клавиши надо будет нажимать другие.

К чему я веду? Посмотрите, можно построить минор или мажор от любой из 12 ступеней звукоряда. Получается 12 мажорных и 12 минорных тональностей. Если вы хотите играть и писать, то нужно их знать очень хорошо, оно должно быть на автоматизме. А ведь 24 расположения клавиш запомнить достаточно трудно, долго и неинтересно. Поэтому есть компромисс — знать только две тональности — одну для минора, одну для мажора, например до. До минор и до мажор. И этого будет достаточно чтоб сыграть или написать любую композицию. Ветераны муз школ могут поворчать, но ведь мы не собираемся писать симфонии и сонаты. Нам что-то попроще надо. К тому же, сейчас можно транспонировать инструмент, то есть играешь в до миноре, а играется, наприер, ля минор.

Давайте посмотрим на расположение до минора.

Мы говорили про пентатонику что там можно любую ноту скомбинировать с любой другой, и это будет хорошо. В миноре это не так. Здесь каждая ступень выполняет свою функцию и они выстаиваются по определённым законам. Есть ступени сильные и слабые. Сильные ступени могут звучать в мелодии долго, и это будет слышать приятно. Слабые ступени обычно звучат недолго, в не особо заметных местах, в переходах межу сильными нотами. Если оставить слабые ступени звучать долго, то создастся ощущение, напряжение, ожидания, что что-то щас произойдёт. Это примерно как вы собрали механизм, в работоспособности которого вы не уверены (может и рвануть), и запускаете его. Вот, зажмурились, нажали на кнопку и в таком напряжении: сработает или взорвётся? Уже сработал или нет? Такое ощущение дают слабые (их ещё называют неустойчивые ступени).
Однако, напряжение вечно быть не может. Музыка — это динамическая вешь, нужно изменение во времени. Поэтому неустойчивые звуки должны переходить в устойчивые (сильные). Это называется разрешение.

Неустойчивые ноты разрешаются в устойчивые, и это имеет большую эмоциональную окраску, очень сильно воспринимается нашим мозгом. Именно такие моменты как раз «зепляют» в музыке, их хочется слушать и слушать. Приведём пример — песенный жанр. Куплет, куплет, припев, куплет, припев. Начало куплета, как и начало песни обычно устойчивое. Всё хорошо. Однако под конец припева появляются слабые ноты, усиливается напряжение. Музыка вам намекает: щас что-то будет, слушай. И правда, куплет идёт снова, начало стабильное. Это создаёт энергетический посыл, музыка становится динамичной. Далее, куплет снова кончается, после него будет привев. Это самое напряженное место, музыка вам уже кричит: щас что-то будет, жди, внимание! И тут начинается привев, это очень сильное место, никаких дисонансов быть не должно. Энергетический выброс тут настолько сильный, что иногда не усидишь на месте, начинаешь невольно качаться и мысли из головы уходят. Некоторые музыканты даже создают дополнительную паузу перед припевом, заполняя её однотипными нотами. Это сделано для того, чтобы ещё сильнее вас сжать, как пружину, чтобы потом вы расправились, это освобождение привело вас в экстаз, музыка вам понравилась, и вы пошли в магазин за альбомом.


Напряжение-разрешение-напряжение-разрешение. Так циклически устроена любая мелодия, даже если напряжением там и не пахнет. Характер музыки определяет отношение напряженной части (с преобладанием неустойчивых нот) к разрешенной (где большинство нот устойчивые). Если будут преобладать устойчивые — музыка лёгкая. Неустойчивые — музыка тяжелая и трагичная.

Мы немного отвлеклись на музыкальное психовосприятие, хотя это надо, вы ведь будете писать музыку для людей, поэтому необходимо знать как она будет восприниматься и как её сделать удобно слушаемой. Давайте посмотрим, какие ступени устойчивые, а какие — нет.
Самая устойчивая — первая. Она как гора, ей можно разрешить всё. Обычно с неё начинается мелодия, и с наибольшей вероятностью — заканчивается.
Следом идут третья и пятая ступени. Они ещё устойчивые, но не дотягивают до первой. Ступени 1 3 и 5 называются трезвучие. Если их одновременно проиграть, то будет звучать очень хорошо. Почти все орнаменты в спектрумовской музыке (это бульканье, трррр) состаят из переборов 1-ой, 3-ей и 5-ой ступени играемой тональности.
Ступени 4 и 6 уже не такие устойчивые, а 2 и 7 — вообще не стабильные.

Вот так, чередуя стабильное и нестабильное можно создавать музыку. Однако это мы изучим в следующих частях, сейчас давайте немного отвлечёмся. Некоторые из вас, наверно, пришла в голову мысль: «А почему нельзя использовать все 12 тонов? Этот мажор и минор придумали в средние века, уже устарело. Неужели нельзя подуать, и как-нибудь заюзать все 12 ступеней? Придумать новый жанр, наконец, стиль, теорию. Будет новое звучание, крутое.» Надо сказать, вы неодиноки в этих мылсях. Первыми об этом подумали джаз-музыканты. Они стали изменять трезвучия, создавать свои тональности, эксперементировать. И получилось вполне неплохо, однако, чтоб понравился джаз, надо быть немного подготовленным. Всё так достаточно необычно, вот например. Или вот, особенно в соло на саксафоне.

Правда, это не совсем отказ от тональности. Композиторы джаза просто создают свою тональность и уже играют по ней, хотя и выходя за пределы. Вот пример блюзовой тональсти в до.

Видете, она не такая равномерная как мажор и минор, там есть и подряд идущие ступени и пробелы. Это и создаёт «странное» джазовое, блюзвое звучание.

Однако дальше всех пошел композитор Арнольд Шёнберг. Он полностью отказался от какой-либо тональности, у него музыка строится по другому принципу, где все 12 полутонов равноправны — нет сильных и слабых, стабильных и нестабильный, богатых и бедных, землю-крестьянам, фабрики-рабочим, слава КПСС. А принцип такой — берутся все 12 тонов, как-то перемешиваются и выходит мелодия из 12-ти нот, где каждая нота проигрываеся один раз. Далее, мы с этой мелодией играемся: сжимаем, разжимаем, инвертируем, переворачиваем и т. д. Получается… Ну, слушайте сами, напоминает одного нашего знакомого биперного музыканта.

Вот, вобщем, на сегодня и всё. Мы рассмотрели такие понятия как звукоряд, октава, тональность, мажор, минор, пентатоника, слабые и сильные ноты, в общих чертах рассмотрели структуру мелодии. В следующих частях мы рассмотрим гармонию: гармоническую последовательность, гармонические переходы, подробнее изучим структуру мелодии, и может что-то напишем. Ура!